Victoria y albert museum:
El Victoria & Albert Museum es el mayor museo del mundo del arte y el diseño. Inicio de 3.000 años del valor de los artefactos increíbles de muchas de las culturas más ricas del mundo, desde hace 150 años nuestras colecciones inmejorables han intrigado, inspirado e informado.
http://www.londres.es/fotos/victoria-and-albert-museum.jpg
http://translate.google.com.mx/translate?hl=es&sl=en&u=http://vimeo.com/vamuseum&prev=/search%3Fq%3Dvictoria%2B%2526%2Balbert%2Bmuseum%26client%3Dsafari%26hl%3Des
viernes, 28 de marzo de 2014
Vitra:
es un museo propiedad de la marca Vitra de muebles de diseño. El museo se localiza en la localidad alemana de Weil am Rhein, cerca de Basilea, ubicado en un edificio del arquitecto canadiense Frank Gehry, se encuentra entre los museos de diseño industrial de muebles y de arquitectura más importantes del mundo. El museo ofrece exposiciones y eventos temporales dedicados a la arquitectura, el diseño de interiores y el diseño de muebles. Desde el año 1989, el fabricante suizo de muebles Vitra está ampliando sus terrenos en Weil am Rhein para crear su propio parque arquitectónico. Frank Gehry, Zaha Hadid, Nicholas Grimshaw, Álvaro Siza y Tadao Ando son algunos de los arquitectos representados con construcciones ejemplares.
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/cb/Vitra_Design_Museum.JPG
http://es.wikipedia.org/wiki/Vitra_Design_Museum
es un museo propiedad de la marca Vitra de muebles de diseño. El museo se localiza en la localidad alemana de Weil am Rhein, cerca de Basilea, ubicado en un edificio del arquitecto canadiense Frank Gehry, se encuentra entre los museos de diseño industrial de muebles y de arquitectura más importantes del mundo. El museo ofrece exposiciones y eventos temporales dedicados a la arquitectura, el diseño de interiores y el diseño de muebles. Desde el año 1989, el fabricante suizo de muebles Vitra está ampliando sus terrenos en Weil am Rhein para crear su propio parque arquitectónico. Frank Gehry, Zaha Hadid, Nicholas Grimshaw, Álvaro Siza y Tadao Ando son algunos de los arquitectos representados con construcciones ejemplares.
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/cb/Vitra_Design_Museum.JPG
http://es.wikipedia.org/wiki/Vitra_Design_Museum
Los Vkhutemas:
(Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado) se fundaron en 1920 en la Unión Soviética, impulsados por el Estado, de los cuales se tiene poca información en la actualidad.
Según Salina Flores, la creación de los talleres fue precedida por una reorganización de la enseñanza artística: supresión de la Academia Imperial y transformación completa de las viejas escuelas de arte aplicado. La nueva escuela superior asumió la tarea de formar artistas para la industria.
A partir de estos talleres se encuentran algunas de las teorías más importantes sobre los objetivos del diseño, también experiencias didácticas.
Su desarrollo se entiende analizando el contexto social en el que surgió. El Estado soviético había desplazado al régimen tradicionalista de los zares después de la revolución, esto permitió la búsqueda y la aceptación de nuevas visiones, por un lado “el arte por el arte” (Suprematismo) y por el otro “el arte útil” (Constructivismo). El crecimiento de la población urbana generado por la guerra civil y las transformaciones económicas, fomentarán el interés por la arquitectura y la producción de objetos de uso cotidiano.
http://oud.digischool.nl/ckv2/moderne/stepanova/vkhutemas1.jpg
http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/05/22/los-vkhutemas/
(Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado) se fundaron en 1920 en la Unión Soviética, impulsados por el Estado, de los cuales se tiene poca información en la actualidad.
Según Salina Flores, la creación de los talleres fue precedida por una reorganización de la enseñanza artística: supresión de la Academia Imperial y transformación completa de las viejas escuelas de arte aplicado. La nueva escuela superior asumió la tarea de formar artistas para la industria.
A partir de estos talleres se encuentran algunas de las teorías más importantes sobre los objetivos del diseño, también experiencias didácticas.
Su desarrollo se entiende analizando el contexto social en el que surgió. El Estado soviético había desplazado al régimen tradicionalista de los zares después de la revolución, esto permitió la búsqueda y la aceptación de nuevas visiones, por un lado “el arte por el arte” (Suprematismo) y por el otro “el arte útil” (Constructivismo). El crecimiento de la población urbana generado por la guerra civil y las transformaciones económicas, fomentarán el interés por la arquitectura y la producción de objetos de uso cotidiano.
http://oud.digischool.nl/ckv2/moderne/stepanova/vkhutemas1.jpg
http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/05/22/los-vkhutemas/
Surrealismo:
El Surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. El Surrealismo no sólo afectó al mundo de la pintura, sino también al cine, la fotografía, el teatro, la poesía... . El resultado es un mundo aparentemente absurdo, alógico, en el que los fenómenos del subconsciente escapan al dominio de la razón.
Salvador Dalí ha sido el más destacado excéntrico en sus hechos, dichos automáticos, escritos y por supuesto obra. La relación de artistas que se mueven dentro del surrealismo es extensa: Duchamp, Max Ernst, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, René Magritte, Yves Tanguy, Paul Delvaux.
Para algunos grandes maestros el surrealismo fue solamente una fase como para Joan Miró, el que en su etapa de grafismo infantiles se acerca al monigote. El Surrealismo fue una vía de escape para muchos artistas de los más diversos ámbitos, cabe citar a Frida Kalho.
http://www.diariodecultura.com.ar/cm/wp-content/uploads/2014/01/Dal%C3%AD-en-Brasil.jpg
http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte_sXX/vanguardias1/surrealismo.html
El Surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. El Surrealismo no sólo afectó al mundo de la pintura, sino también al cine, la fotografía, el teatro, la poesía... . El resultado es un mundo aparentemente absurdo, alógico, en el que los fenómenos del subconsciente escapan al dominio de la razón.
Salvador Dalí ha sido el más destacado excéntrico en sus hechos, dichos automáticos, escritos y por supuesto obra. La relación de artistas que se mueven dentro del surrealismo es extensa: Duchamp, Max Ernst, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, René Magritte, Yves Tanguy, Paul Delvaux.
Para algunos grandes maestros el surrealismo fue solamente una fase como para Joan Miró, el que en su etapa de grafismo infantiles se acerca al monigote. El Surrealismo fue una vía de escape para muchos artistas de los más diversos ámbitos, cabe citar a Frida Kalho.
http://www.diariodecultura.com.ar/cm/wp-content/uploads/2014/01/Dal%C3%AD-en-Brasil.jpg
http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte_sXX/vanguardias1/surrealismo.html
Superstudio:
Fue un grupo compuesto por los arquitectos Adolfo Natalini, Piero Frasinelli y Cristiano Toraldo di Francia, este grupo fue desarrollado entre los años 1966 y 1978 y se fundo en Florencia, Italia en 1966. Era algo opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio de las necesidades de los individuos por sobre cualquier otra consideración. Inspirados en el Art Nouveau, el art déco, el pop-art y el arte kitsch, realizaron una serie de diseños de tono irreverente que cuestionaban la funcionalidad y buen gusto del diseño anterior. También concibieron proyectos de ciudades utópicas del futuro, donde la tecnología liberaría al ser humano del trabajo manual.
http://simbiosisgroup.net/wp-content/uploads/2009/02/192.jpg
http://en.wikipedia.org/wiki/Superstudio
Fue un grupo compuesto por los arquitectos Adolfo Natalini, Piero Frasinelli y Cristiano Toraldo di Francia, este grupo fue desarrollado entre los años 1966 y 1978 y se fundo en Florencia, Italia en 1966. Era algo opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio de las necesidades de los individuos por sobre cualquier otra consideración. Inspirados en el Art Nouveau, el art déco, el pop-art y el arte kitsch, realizaron una serie de diseños de tono irreverente que cuestionaban la funcionalidad y buen gusto del diseño anterior. También concibieron proyectos de ciudades utópicas del futuro, donde la tecnología liberaría al ser humano del trabajo manual.
http://simbiosisgroup.net/wp-content/uploads/2009/02/192.jpg
http://en.wikipedia.org/wiki/Superstudio
viernes, 14 de marzo de 2014
Compás di oro
El Compasso d'Oro (Golden Compass) es una competencia donde se gana un premio a la estética del producto se estableció por Aldo Borletti en el almacén grande italiano La Rinascente en la X Triennale (Ver Milan Triennali ) en Milán en 1954. La tienda había sido cometido por muchos años a la promoción de los estándares de excelencia en el diseño italiano y el premio fue el primero de su tipo en Europa. El Compasso d'Oro también proporcionó el estímulo para el reconocimiento de moderno diseño italiano con estilo en el país y en el extranjero, sus primeros destinatarios que asciende casi a un cuadro de honor de destacados diseñadores y fabricantes en Italia de la posguerra. Incluyeron Marcello Nizzoli , diseñando para Necchi y Olivetti , Gino Sarfatti para Arteluce , Gino Colombini para Kartell , Franco Albini para Poggi, Roberto Sambonet para su propia compañía, Marco Zanuso para Borletti, y Dante Giacosa para Fiat . Las críticas a los productos premiados primeros se encontraban en la revista de diseño italiano de corta duración, Stile Industria . Inclinación estética del Compasso hacia el concepto internacional prevaleciente de 'Good Design' fue reconocido en los premios como los presentados a la danesa Den Permanente y el Consejo Británico de Diseño Industrial (1960).
El XVII Premio Compasso d'Oro de 1995 refleja los esfuerzos de los organizadores para destacar el prestigio internacional de la concesión del lugar de la percepción de que se trataba de un concurso impulsado en gran medida por las ambiciones de un círculo relativamente restringido de diseñadores y productores italianos.
http://colladorep.com/blog/wp-content/uploads/2011/09/mencion_honor_2011.jpg
http://www.answers.com/topic/compasso-d-oro
El Compasso d'Oro (Golden Compass) es una competencia donde se gana un premio a la estética del producto se estableció por Aldo Borletti en el almacén grande italiano La Rinascente en la X Triennale (Ver Milan Triennali ) en Milán en 1954. La tienda había sido cometido por muchos años a la promoción de los estándares de excelencia en el diseño italiano y el premio fue el primero de su tipo en Europa. El Compasso d'Oro también proporcionó el estímulo para el reconocimiento de moderno diseño italiano con estilo en el país y en el extranjero, sus primeros destinatarios que asciende casi a un cuadro de honor de destacados diseñadores y fabricantes en Italia de la posguerra. Incluyeron Marcello Nizzoli , diseñando para Necchi y Olivetti , Gino Sarfatti para Arteluce , Gino Colombini para Kartell , Franco Albini para Poggi, Roberto Sambonet para su propia compañía, Marco Zanuso para Borletti, y Dante Giacosa para Fiat . Las críticas a los productos premiados primeros se encontraban en la revista de diseño italiano de corta duración, Stile Industria . Inclinación estética del Compasso hacia el concepto internacional prevaleciente de 'Good Design' fue reconocido en los premios como los presentados a la danesa Den Permanente y el Consejo Británico de Diseño Industrial (1960).
El XVII Premio Compasso d'Oro de 1995 refleja los esfuerzos de los organizadores para destacar el prestigio internacional de la concesión del lugar de la percepción de que se trataba de un concurso impulsado en gran medida por las ambiciones de un círculo relativamente restringido de diseñadores y productores italianos.
http://colladorep.com/blog/wp-content/uploads/2011/09/mencion_honor_2011.jpg
http://www.answers.com/topic/compasso-d-oro
Archizoom Associati:
Es italiano, arquitectónico y diseño de una asociación formada en 1966 por Andrea Branzi (1939), Gilberto Corretti (1941), Paolo Deganello (1940) y Massimo Morozzi. Estos fueron acompañados por Dario Bartolini y Lucia Bartolini en 1968. Se basaban en Florencia y fueron influenciados inicialmente por las visiones utópicas del conjunto arquitectónico Inglés Archigram. Alcanzaron la fama internacional después de apariciones en las exposiciones Superarchitettura de la arquitectura radical celebrada en Pistoia (1966) y Módena (1967) y organizadas con el grupo SUPERSTUDIO. Numerosos proyectos y ensayos reflejan la búsqueda del grupo para un enfoque nuevo, altamente flexible y basada en la tecnología para el diseño urbano, y en la década de 1960 la exposición y diseño de productos se empezaron a formar una parte importante de su trabajo. El grupo se disolvió en 1974 para seguir carreras separadas.
http://p2.la-img.com/454/12931/3757983_1_l.jpg
http://www.medienkunstnetz.de/artist/archizoom/biography/
Es italiano, arquitectónico y diseño de una asociación formada en 1966 por Andrea Branzi (1939), Gilberto Corretti (1941), Paolo Deganello (1940) y Massimo Morozzi. Estos fueron acompañados por Dario Bartolini y Lucia Bartolini en 1968. Se basaban en Florencia y fueron influenciados inicialmente por las visiones utópicas del conjunto arquitectónico Inglés Archigram. Alcanzaron la fama internacional después de apariciones en las exposiciones Superarchitettura de la arquitectura radical celebrada en Pistoia (1966) y Módena (1967) y organizadas con el grupo SUPERSTUDIO. Numerosos proyectos y ensayos reflejan la búsqueda del grupo para un enfoque nuevo, altamente flexible y basada en la tecnología para el diseño urbano, y en la década de 1960 la exposición y diseño de productos se empezaron a formar una parte importante de su trabajo. El grupo se disolvió en 1974 para seguir carreras separadas.
http://p2.la-img.com/454/12931/3757983_1_l.jpg
http://www.medienkunstnetz.de/artist/archizoom/biography/
Artemide:
El grupo de Artemide, fundada por Ernesto Gismondi en 1959, hoy en día opera en todo el mundo, con 16 subsidiarias y compañías afiliadas, y 35 distribuidores exclusivos. Tienen centros de producción en Italia, Francia, Alemania, EE.UU., Hungría y la República Checa. En una política orientada a la satisfacción de todas las necesidades de iluminación, el grupo Artemide ha adquirido recientemente las empresas que refuerzan su posición como líder mundial y diversifica aún más las ofertas.
La luz Artemide nunca ha sido únicamente una función de la visión, o una oportunidad para la experimentación formal con lámparas como objetos. Por más de cuarenta años, Artemide ha tenido como objetivo proponer la luz como un complemento de las personas, como una fuente de placer físico y bienestar mental. Artemide ha hecho, con diferentes grupos de trabajo. Más allá de la definición, The Human Light es la luz inteligente. Una luz que sabe que tiene que relacionarse con la gente, acompañándolos en sus actividades diarias. Es por ello que la atención de hoy Artemide se concentra en el concepto del contexto de la vida, entendida como un microambiente específico en el que se produce un evento en donde una o más personas son el protagonista, todos los contextos de la vida se puede asociar a diferentes contextos de luz, o la diferentes ambientes de luz caracterizado por las actividades que, en varios momentos del día, nos tienen como protagonistas, a partir de estos contextos y las condiciones de luz que los caracterizan, Artemide propone productos capaces de satisfacer las múltiples necesidades de la gente y ofrecer las características de rendimiento de luz más adecuado a cada momento de la vida, es la luz que es flexible y adaptable, lo que produce la precisión visual óptimo, y consume el mínimo de recursos ambientales, es ligero Artemide.
http://www.indesignlive.com/media/COLLECTION/Heroes_Thumbs/Artemide_1_Hero.jpg
http://www.artemide.ca/?page=main/aboutartemide&pageTitle=About_Us
El grupo de Artemide, fundada por Ernesto Gismondi en 1959, hoy en día opera en todo el mundo, con 16 subsidiarias y compañías afiliadas, y 35 distribuidores exclusivos. Tienen centros de producción en Italia, Francia, Alemania, EE.UU., Hungría y la República Checa. En una política orientada a la satisfacción de todas las necesidades de iluminación, el grupo Artemide ha adquirido recientemente las empresas que refuerzan su posición como líder mundial y diversifica aún más las ofertas.
La luz Artemide nunca ha sido únicamente una función de la visión, o una oportunidad para la experimentación formal con lámparas como objetos. Por más de cuarenta años, Artemide ha tenido como objetivo proponer la luz como un complemento de las personas, como una fuente de placer físico y bienestar mental. Artemide ha hecho, con diferentes grupos de trabajo. Más allá de la definición, The Human Light es la luz inteligente. Una luz que sabe que tiene que relacionarse con la gente, acompañándolos en sus actividades diarias. Es por ello que la atención de hoy Artemide se concentra en el concepto del contexto de la vida, entendida como un microambiente específico en el que se produce un evento en donde una o más personas son el protagonista, todos los contextos de la vida se puede asociar a diferentes contextos de luz, o la diferentes ambientes de luz caracterizado por las actividades que, en varios momentos del día, nos tienen como protagonistas, a partir de estos contextos y las condiciones de luz que los caracterizan, Artemide propone productos capaces de satisfacer las múltiples necesidades de la gente y ofrecer las características de rendimiento de luz más adecuado a cada momento de la vida, es la luz que es flexible y adaptable, lo que produce la precisión visual óptimo, y consume el mínimo de recursos ambientales, es ligero Artemide.
http://www.indesignlive.com/media/COLLECTION/Heroes_Thumbs/Artemide_1_Hero.jpg
http://www.artemide.ca/?page=main/aboutartemide&pageTitle=About_Us
Anti design:
El Anti-Design fue un caudal de diseño y el movimiento del arte del estilo originario de Italia y que duró desde los años 1966 a 1980. El movimiento fue en colores que eran muy llamativos, a distorsión de escala como sillas gigantes que de cierta manera se tenían que ver pequeñas y se utiliza la ironía y el kitsh. La función del objeto era subvertir la forma en que piensa acerca del objeto. En la arquitectura esto también se conoce como el período Radical Design. El movimiento del diseño fue una reacción contra lo que muchos diseñadores de vanguardia de la época veían como la estética perfeccionista del Modernismo. Los diseñadores modernistas pusieron énfasis fue en el estilo y la estética de la buena forma por muchos fabricantes líderes y celebrados diseñadores.
http://www.arthistoryarchive.com/arthistory/antidesign/
Biomorphism
Es un movimiento de diseño surrealista y orgánico del siglo XX que se centra en el poder de la vida natural y utiliza formas orgánicas, como mayor enfoque con ciertos toques sin forma y vagamente esféricas de las formas de la biología. El Diseño orgánico es un movimiento del diseño del siglo XX se caracteriza por tener o que fluye forma asimétrica o esquema. Se caracteriza por una forma no convencional o variable. Tener o ser una forma o diseño irregular o asimétrica. Tener las características de un organismo; desarrollar en la forma de una planta o animal vivo. El término biomorfismo estaba influenciado por Geoffrey Grigson, un poeta británico, escritor, crítico y naturalista en 1935. Las Formas biomórficas eran el aspecto más reconocible de principios del arte de la posguerra y el diseño. Desde la década de 1930, las formas orgánicas vinieron cada vez más para dominar el vocabulario de los artistas y diseñadores. Biomorfismo puede etiquetarse y comúnmente expresado en forma libre, el cual fue aplicado a muchos campos del arte y el diseño de la pintura a la arquitectura durante la década de 1950. El museo del cubismo y Resumen Exposición de arte de Arte Moderno de 1936 se refirió a sus características. "Curvilíneo en lugar de rectilínea, decorativo y no estructural y romántico lugar de clásico en su exaltación de la mística, lo espontáneo y lo irracional".
https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJkQvIoIb_WiERJSt4dIoOgrm7-pZO8qsetg6aEov3a1RcHbSH_sLZYg18uKPcY9Lm2Zd6zWwJa2o6GBHzKfRuq0WQIpNNAS8Zvp_BzujywpldORRbfKBJTAdWRBcJvoCYCGIUktbPTZU/s1600/sydney-opera-house.jpg
http://prezi.com/hp4mhaz0pcyh/organic-design-and-biomorphism/
Es un movimiento de diseño surrealista y orgánico del siglo XX que se centra en el poder de la vida natural y utiliza formas orgánicas, como mayor enfoque con ciertos toques sin forma y vagamente esféricas de las formas de la biología. El Diseño orgánico es un movimiento del diseño del siglo XX se caracteriza por tener o que fluye forma asimétrica o esquema. Se caracteriza por una forma no convencional o variable. Tener o ser una forma o diseño irregular o asimétrica. Tener las características de un organismo; desarrollar en la forma de una planta o animal vivo. El término biomorfismo estaba influenciado por Geoffrey Grigson, un poeta británico, escritor, crítico y naturalista en 1935. Las Formas biomórficas eran el aspecto más reconocible de principios del arte de la posguerra y el diseño. Desde la década de 1930, las formas orgánicas vinieron cada vez más para dominar el vocabulario de los artistas y diseñadores. Biomorfismo puede etiquetarse y comúnmente expresado en forma libre, el cual fue aplicado a muchos campos del arte y el diseño de la pintura a la arquitectura durante la década de 1950. El museo del cubismo y Resumen Exposición de arte de Arte Moderno de 1936 se refirió a sus características. "Curvilíneo en lugar de rectilínea, decorativo y no estructural y romántico lugar de clásico en su exaltación de la mística, lo espontáneo y lo irracional".
https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJkQvIoIb_WiERJSt4dIoOgrm7-pZO8qsetg6aEov3a1RcHbSH_sLZYg18uKPcY9Lm2Zd6zWwJa2o6GBHzKfRuq0WQIpNNAS8Zvp_BzujywpldORRbfKBJTAdWRBcJvoCYCGIUktbPTZU/s1600/sydney-opera-house.jpg
http://prezi.com/hp4mhaz0pcyh/organic-design-and-biomorphism/
viernes, 7 de febrero de 2014
Studio alchimia(Milán):
En 1976 se había creado en Milán Studio Alchimia, como estudio de diseño gráfico; en 1978 se convirtió en el centro de la vanguardia.
Fundado por alessandro guerreiro fue un estudio que tenía como objetivó hacer que los diseñadores pudieran ir a exponer sus trabajos, aquellos que no habían salido a la industria.
Estos objetos tenían un gran estilo, este tenía mucho color y eran cosas extravagantes, muebles que tenían una alegría infantil, esto todo por los vanguardistas que se tomaban el tiempo de decorar con un estilo único.
Imágenes y referencia:
www.slideshare.net/rbaksys/studio-alchimia-presentation
En 1976 se había creado en Milán Studio Alchimia, como estudio de diseño gráfico; en 1978 se convirtió en el centro de la vanguardia.
Fundado por alessandro guerreiro fue un estudio que tenía como objetivó hacer que los diseñadores pudieran ir a exponer sus trabajos, aquellos que no habían salido a la industria.
Estos objetos tenían un gran estilo, este tenía mucho color y eran cosas extravagantes, muebles que tenían una alegría infantil, esto todo por los vanguardistas que se tomaban el tiempo de decorar con un estilo único.
Imágenes y referencia:
www.slideshare.net/rbaksys/studio-alchimia-presentation
agit prop:
Es las abreviación de una propaganda rusa agitatsiya (propaganda de agitación), la estrategia política en la que las técnicas de agitación y propaganda se utilizan para poder influir y movilizar a la opinión pública. La estrategia es común, tanto la etiqueta como una obsesión por fuera específico para el marxismo practicado por los comunistas en la Unión Soviética.
Las estrategias individuales de agitación y propaganda fueron elaboradas originalmente por el teórico marxista Georgy Plejánov , que define la propaganda como la promulgación de una serie de ideas a un grupo y la agitación individual o pequeña como la promulgación de una sola idea a una gran masa de personas. Ampliando estos conceptos en su folleto ¿Qué se debe hacer?, Vladimir Lenin declaró que el propagandista, cuyo medio principal es la impresión, explica las causas de las desigualdades sociales, como el desempleo o el hambre, mientras que el agitador, cuyo medio principal es el habla, se apodera de los aspectos emocionales de estos temas para despertar a su audiencia a la indignación o acción. La agitación es por lo tanto el uso de consignas políticas y medias verdades para explotar las quejas de los ciudadanos y por lo tanto para moldear la opinión pública y movilizar el apoyo del público. Propaganda, por el contrario, es la utilización razonada de los argumentos históricos y científicos para adoctrinar a los educados y los llamados miembros "iluminados" de la sociedad , tales como los miembros del partido.
Imagen:
http://agitpropfilmfest.files.wordpress.com/2011/08/agitprop-in-uplb-poster3copy-copy.jpg
http://global.britannica.com/EBchecked/topic/9224/agitprop
Es las abreviación de una propaganda rusa agitatsiya (propaganda de agitación), la estrategia política en la que las técnicas de agitación y propaganda se utilizan para poder influir y movilizar a la opinión pública. La estrategia es común, tanto la etiqueta como una obsesión por fuera específico para el marxismo practicado por los comunistas en la Unión Soviética.
Las estrategias individuales de agitación y propaganda fueron elaboradas originalmente por el teórico marxista Georgy Plejánov , que define la propaganda como la promulgación de una serie de ideas a un grupo y la agitación individual o pequeña como la promulgación de una sola idea a una gran masa de personas. Ampliando estos conceptos en su folleto ¿Qué se debe hacer?, Vladimir Lenin declaró que el propagandista, cuyo medio principal es la impresión, explica las causas de las desigualdades sociales, como el desempleo o el hambre, mientras que el agitador, cuyo medio principal es el habla, se apodera de los aspectos emocionales de estos temas para despertar a su audiencia a la indignación o acción. La agitación es por lo tanto el uso de consignas políticas y medias verdades para explotar las quejas de los ciudadanos y por lo tanto para moldear la opinión pública y movilizar el apoyo del público. Propaganda, por el contrario, es la utilización razonada de los argumentos históricos y científicos para adoctrinar a los educados y los llamados miembros "iluminados" de la sociedad , tales como los miembros del partido.
Imagen:
http://agitpropfilmfest.files.wordpress.com/2011/08/agitprop-in-uplb-poster3copy-copy.jpg
http://global.britannica.com/EBchecked/topic/9224/agitprop
El esteticismo o movimiento estético(anestic movement):
Es un arte que apoya y hace un énfasis en los valores estéticos y en temas socio-políticos de la literatura, tales como las bellas artes y la música, entre otras.
Fue especialmente destacado en Europa durante el siglo XIX, y los críticos contemporáneos se asocian con este movimiento, como Harold Bloom, quien ha sostenido que recientemente está en contra de la proyección de la ideología social y política en las obras literarias, que él cree que ha sido un problema creciente en los departamentos de humanidades durante el último siglo.
El siglo XIX se ha relacionado con otros movimientos como el simbolismo o la decadencia representada en Francia, o el decadentismo representado en Italia, y puede ser considerado como la versión británica del mismo estilo.
Imagen:
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/62/Peacock2.jpg
http://en.wikipedia.org/wiki/Aestheticism
Es un arte que apoya y hace un énfasis en los valores estéticos y en temas socio-políticos de la literatura, tales como las bellas artes y la música, entre otras.
Fue especialmente destacado en Europa durante el siglo XIX, y los críticos contemporáneos se asocian con este movimiento, como Harold Bloom, quien ha sostenido que recientemente está en contra de la proyección de la ideología social y política en las obras literarias, que él cree que ha sido un problema creciente en los departamentos de humanidades durante el último siglo.
El siglo XIX se ha relacionado con otros movimientos como el simbolismo o la decadencia representada en Francia, o el decadentismo representado en Italia, y puede ser considerado como la versión británica del mismo estilo.
Imagen:
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/62/Peacock2.jpg
http://en.wikipedia.org/wiki/Aestheticism
viernes, 31 de enero de 2014
A finales del siglo XIX surge un movimiento artístico llamado art nouveau (arte nuevo) y se siguió proyectando hasta las primeras décadas del siglo XX, este arte generalmente expresa arquitectura y diseño; Una de las características más importantes de este movimiento es que se adaptan a circunstancias de la vida moderna.
El art nouveau tiene un estilo decorativo que fu desarrollado en la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Este estilo era algo más femenino, ya que se podían ver muchas flores, hojas e incluso la misma figura femenina; se aplicaba a diseño de interiores, joyería, vidrio, cerámica y telas pero sobre todo a la ilustración que fue muy popular después del invento de la litografía.
http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artnouveau.htm
El art nouveau tiene un estilo decorativo que fu desarrollado en la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Este estilo era algo más femenino, ya que se podían ver muchas flores, hojas e incluso la misma figura femenina; se aplicaba a diseño de interiores, joyería, vidrio, cerámica y telas pero sobre todo a la ilustración que fue muy popular después del invento de la litografía.
http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artnouveau.htm
viernes, 24 de enero de 2014
Arts and Crafts:
El movimiento "Arts & crafts" empezó en las últimas décadas del siglo XIX y fue una reacción contra el estilo victoriano, el cual se desarrolló en Inglaterra.
Esa reacción se de denomino Arts and crafts, Artes y Oficios y el objetivo era crear algo único para que los objetos de la vida cotidiana no fueran tan sólo un producto de mal gusto que se fabricará en masa. En lugar del de eso estas nuevas creaciones tenían una dimensión estética y se pretendió integrarlas a un entorno más arquitectónico, armonioso y bello.
Esta acción del Arts and Crafts fue un experimento que dio un avance muy importante en 1861 cuando William Morris fundo una empresa llamada Morris, Marshall, Faulkner and company, ahora mejor conocida como Morris and Company.
En 1890 se creo una imprenta artesanal de la que salieron tiradas reducidas de algunos de los libros impresos más cuidadosamente producidos de toda la historia, esta imprenta fue fundada por Morris y fue llamada la Kelmscott Press y fue capaz de ejercer una poderosa influencia sobre las grandes editoriales comerciales durante varias décadas.
William Morris, Strawberry Thief furnishing Textile, 1883
Fuente de información
http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artscrafts.htm
El movimiento "Arts & crafts" empezó en las últimas décadas del siglo XIX y fue una reacción contra el estilo victoriano, el cual se desarrolló en Inglaterra.
Esa reacción se de denomino Arts and crafts, Artes y Oficios y el objetivo era crear algo único para que los objetos de la vida cotidiana no fueran tan sólo un producto de mal gusto que se fabricará en masa. En lugar del de eso estas nuevas creaciones tenían una dimensión estética y se pretendió integrarlas a un entorno más arquitectónico, armonioso y bello.
Esta acción del Arts and Crafts fue un experimento que dio un avance muy importante en 1861 cuando William Morris fundo una empresa llamada Morris, Marshall, Faulkner and company, ahora mejor conocida como Morris and Company.
En 1890 se creo una imprenta artesanal de la que salieron tiradas reducidas de algunos de los libros impresos más cuidadosamente producidos de toda la historia, esta imprenta fue fundada por Morris y fue llamada la Kelmscott Press y fue capaz de ejercer una poderosa influencia sobre las grandes editoriales comerciales durante varias décadas.
Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importantes:
- Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.
- Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.
- Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.
- Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.
- Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.
- Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.
William Morris, Strawberry Thief furnishing Textile, 1883
Fuente de información
http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artscrafts.htm
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